DUP 2019 | Tribute to Etel Adnan

06.06 >> 05.07.2019


 


Coincidiendo con la 14a edición de la Barcelona Design Week (12-20 de junio), L&B Gallery presenta la 4a edición del DUP | Design Unique Piece, un evento anual de diseño coleccionable. Desde 2015, L&B está comprometida con la comunidad del diseño que rodea la galería en el emergente barrio barcelonés del Poblenou y establece una exposición anual de diseño pieza única (Design Unique Piece, DUP).

En motivo del DUP | 2019, que inaugura el 6 de junio, la galería tiene el placer de proponer un proyecto comisariado por Guendalina Perelli – experta en comunicación activa en Milán y Barcelona y jefa de ediciones del magazine de diseño thesignspeaking – que inspirándose en la obra de la reconocida artista libanesa Etel Adnan (Beirut, 1925), establece un diálogo entre diseñadores que, por nacimiento o elección, residen en Barcelona. Desde Nueva York a Beirut, desde Sausalito a París, la obra de la artista libanesa está inspirada en las ciudades y paisajes que ha descubierto y recorrido. En su paleta de colores destacan los ejercicios cromáticos inmersos en la luz del Mediterráneo. Extranjera en todas partes sin haber pasado por el exilio, Etel Adnan vive el siglo XX con intensidad y en un presente perpétuo, describiendo en sus textos como los lugares y los idiomas han modelado su obra.

La muestra presenta piezas únicas de diseño que contribuyen a crear armoniosamente un hogar con la esencia de Etel Adnan. El título de la BDW 2019 de este año es “Transiciones” y el vínculo que se crea con la muestra no se limita al binomio arte y diseño; DUP 2019I Tribute a Etel Adnan es una invitación a transitar por los espacios de la galería como quien transita entre las habitaciones de una casa, prestando atención a los diferentes diseños que la habitan.

DUP 2019 | Tribute to Etel Adnan presenta los trabajos de 19 diseñadores que viven y trabajan en la capital catalana. “Siento que los lugares actúan sobre el pensamiento a través de la luz” escribía la artista libanesa en su libro Des villes et de femme. “La fosforescencia afecta a nuestro espíritu, el mundo gira en el interior de nuestra cabeza, moldea nuestros pensamientos con ángulos nuevos. La percepción de las cosas señala un cambio, y nuestros intereses se modifican, nuestras pasiones pueden cambiar de tonalidad”. En su libro Adnan habla también de Barcelona, ciudad en la que pasó una temporada. Y quien vive en la capital condal puede confirmarlo, sobretodo los creativos que en sus obras y acciones imprimen la fuerza transformadora de su luz. Guendalina Perelli confiesa que “Etel Adnan es una artista poliédrica que tiene el poder de fascinar. Mirando sus cuadros y leyendo sus textos ha surgido inmediatamente el deseo de ofrecerle un tributo en una ciudad a la que Adnan tiene estima. Para la cuarta edición del DUP he buscado diseñadores que con sus creaciones me ayudasen a recrear esa enérgica y a la vez íntima atmósfera que emanan sus obras”.

El recorrido
Moviéndonos por las habitaciones de una casa imaginaria en el salón encontramos una mesa con taburetes de Sanna Völker. Inspirado en los poemas y los recorridos personales de Etel Adnan, THE WEIGHT OF THE WORLD nace como un proyecto que cobra sentido no solo por la vida casi nómada de la artista, o las reflexiones oscuras sobre el hogar que expresa en sus textos; sino también por el clima social actual, la crisis medioambiental y la constante producción de objetos nuevos. Apropiándose del movimiento japonés Mono-Ha de los años 70, presenta una mesa creada con residuos industriales y unos taburetes efímeros presentados elaborados en colaboración con los artesanos de la piedra Granits Barbany.

El joven diseñador Miguel Giner Gutiérrez es el encargado de poner la mesa con la vajilla de cerámica PETRA con la que ganó el pasado febrero el premio Rado Star Prizes 2019 en el Madrid Design
Festival. Las piezas de porcelana destacan por la naturaleza de sus formas y una textura única, marcada por un proceso productivo propio, el uso de un molde compuesto por 3906 varillas de haya cuya extrusión resulta en formas representativas de rocas erosionadas por el mar y el viento.

La mesa está iluminada por una luminaria-móvil de suspensión de Antoni Arola. OU D’EN SANDY (homenaje a Alexander ‘Sandy’ Calder) nace como fruto de la experimentación con un huevo de avestruz en cuyo interior se coloca una luz.

En una esquina de la casa destaca MAGIC, la alfombra de la transgresora artista barcelonesa Marria Pratts, una pieza única en la que la artista traslada su universo pictórico al diseño. Esta impactante obra dialoga con las elegantes esculturas de cerámica óptica de Romina Gris.

En la zona de relax, Irene Cases presenta ADAPTOS, el comienzo de una serie de piezas textiles que parten de la idea de un juego de encajes. Formas sugerentes que encajan entre ellas creando nuevos cuerpos. En esta zona también se encuentra la propuesta de Cristina Noguer que ha generado un canvas de colores neutros a partir de una de las pinturas de Etel Adnan, donde se representa el color mediante luz y olor. Con la colaboración de Marta G. Pons han descompuesto esta pieza de la artista libanesa en cuatro notas olfativas que se unen para crear un perfume natural. Dos lamparas y cinco elementos olfativos exponen una dualidad metodológica entre las dos: Adnan desarrolla el malestar a través de su lírica y el júbilo a través de los colores. Por su parte, Noguer critica a través de la materialidad y festeja mediante el trato anárquico de sus composiciones.

Muy cerca Raquel Quevedo presenta PUFF, un asiento cubierto por una red de pesca que evoca el Mediterráneo (tan apreciado por Etel Adnan) un conglomerado de materia y memoria. También presenta PRÓLOGO, una pieza singular que recuerda a un volcán con un altavoz que reproduce la voz interior… como si fuese el latido de una casa. Un proyecto de tiempo, ficción y memoria anacrónicos que crea una nueva memoria: “Quería sincronizar la memoria sobre mi padre en un mismo periodo de tiempo y en mentes distintas a la vez que ‘recrear’ un retrato robot colectivo y virtual de el. Todos los textos recogidos serán la voz del volcán, un prologo y una poesía cantada junto a Cecilia Díaz” dice Raquel.

Una escultura de luz de Massimiliano Moro ilumina el patio interior de la galería. Un movimiento cíclico hace que nos adentremos en un paisaje cromático, un camino sin punto de inicio o de final que acompaña la vista en un recorrido de grados de color e intensidad. Del contacto entre la luz y el entorno sale un nuevo equilibrio que desafía la capacidad de interpretación de las formas y los volúmenes.

La pieza escultórica de Carla Cascales Alimbau, HORIZONTE, recuerda a los paisajes Etel Adnan: la fractura accidental, enfatizada del pigmento de oro, dibuja un paisaje que sin ella la pieza en si no existiría.

A partir de piezas olvidadas en almacenes y fábricas de todo el mundo, que Alfonso de la Fuente ha rescatado de sus viajes, nace la lámpara ETEL de Pichiglas. Una pieza unica en la que recicla moldes descatalogados, reutiliza cestas de plastico low cost y cordones de zapato con un sello muy personal. Belleza pero también funcionalidad. Una combinación de luz y forma que logra una iluminación singular.

En una de las dos mesas bajas de Josep Vila i Capdevila realizadas con mármol Travertino, y generadas a partir del encaje de sus partes a modo de puzle, da lugar a un interesante juego de sombras y al contraste de las líneas depuradas versus un material brutalista.

Sobre una mesa encontramos un tótem en cerámica de Valeria Vasi de concepto profundamente simbólico. EL PESO DEL MUNDO está inspirado en las últimas obras de Adnan para la Serpentine Gallery de Londres. En ellas destaca el color en unas composiciones de líneas muy puras. En este proyecto Vasi conserva la importancia del color y la pureza de las formas geométricas que son básicas en el trabajo de las dos.

En la habitación, el “ephemeral designer”, Luca Hugo Brucculeri se salta las reglas con el “daybed” SOÑANDO TAMALPAIS, inspirado a la homónima montaña de California, varia veces retratada en la obra de Etel Andan. Como comenta la pintora en una entrevista: “[La montaña Tamalpais] era mi punto de referencia, un elemento que me orientaba, no sólo físicamente si no también emocionalmente”. De la misma manera esta cama quiere generar un paisaje escultórico en el espacio más íntimo de la casa. Una presencia irregular y sólida que crea una tensión entre la abstracción y los objetos reconocibles. Un lugar de transición entre los sueños y el mundo real. Detrás de la cama su “wallpaper” IRIDATO, diseñado para el 40 aniversario de Coordonné, es el resultado de una performance filmada por David Leon Fiene. En ella Brucculeri genera con unos prismas diferentes reflejos iridiscentes de luz en una pared blanca. Estos ligeros, fugaces y efímeros reflejos de luz, capturados por la fotógrafa Sandra Rojo, componen el pattern del papel. Con esta operación el diseñador consigue cristalizar en el papel la emoción que siente cada vez que un rayo de luz blanca se descompone en los 7 colores del arcoíris.

Sobre la cama la pieza textil PAISAJES BORDADOS de Señorita Lylo: ciudades habitadas y memorias capturadas con hilos dejando una impronta a nuestro paso. Nacer allí, vivir aquí, vivir allá… El viaje que nos transforma y atraviesa. Formas construidas invirtiendo miles de minutos, acariciando el hilo y escuchando su sonido que atraviesa el tiempo.

Al lado de la cama encontramos ILT, dos mesitas de noche diseñadas por Julen Ussia Guillén realizadas con acero, cerámica roja y pasta refractaria: »El óxido, en todas partes todo el tiempo. Polvo, tan fino, que pudo ser transportado por los diferentes agentes climáticos en las épocas los paisajes. Se halla concentrado en tres materiales diferentes con tonalidad variable en la escala del rojo al amarillo.”

Algo que caracteriza a la cultura mediterránea – y Barcelona en particular – es la vida en el espacio público que se manifiesta de distintas maneras: con tiendas para exponer productos, los maceteros a pie de calle y el sacar las sillas a la puerta de casa para socializar. Yomuto quiere homenajear esta tradición con una instalación lumínica en la que una farola de Barcelona, puesta en el interior, representa esta visión con colores inspirados en la obra poética In/SOMNIA de la artista libanesa.

En esta parte de la casa mas íntima encontramos LESS LAMP, una pantalla de luz sellada diseñada por Jordi Canudas que debe romperse para liberar la luz atrapada en su interior. El usuario decide la apariencia y la posición del orificio de acuerdo con la cantidad de luz requerida y hacia dónde debe dirigirse. Una pieza interactiva que se queda en el aire como un globo-constelación y que se relaciona de manera literal con la serie NIGHT de Etel Adnan.

En esta casa mediterránea no pueden faltar las plantas de Botánica Textil, en este caso realizadas a mano por la fundadora Paula Andrés Castrillo. Una PALMERA GIGANTE, FICUS, POTUS, ALOE y CACTUS en confección textil de varios tejidos y texturas, con hojas trabajado individualmente creando diferentes dibujos y diseños. A veces decoloradas a mano, simulando la degradación de las hojas o con las características púas puntiagudas y con espinas que no nos llegan a herir.


ANTONI AROLA
Nace en Tarragona en 1960. Estudia en Escola Superior de Disseny EINA de Barcelona. En 1994 funda Estudi Antoni Arola. Sus proyectos tocan campos muy diversos: proyectos de iluminación, piezas de mobiliario , envases de perfumes, proyectos de interiorismo e instalaciones efímeras. Compagina su carrera profesional con la docencia, workshops, la experimentación artística e investigación lumínica. Premio nacional de diseño 2003, cuatro veces ganador del Delta de Plata y en el año 2018 galardonado con un Red Dot Design Award: Best of The Best.
http://www.estudiantoniarola.com/

BOTÁNICA TEXTIL, Paula Andrés Castrillo
Tras Botánica Textil se encuentran las manos de Paula Andrés Castrillo, licenciada en Bellas Artes y nacida en una pequeña y verde provincia de España llamada Cantabria. Actualmente reside en la ciudad de Barcelona. Botánica Textil nace como obsesión y anhelo de transformar los espacios de una ciudad de asfalto y cemento en algo más verde, en algo más natural y libre de plástico. Realizadas de forma manual cada pieza son una escultura en forma de planta confeccionadas en tela, sobre una gran diversidad de tejidos y texturas que nos hacen recordar a esa gama cromática tan característica del mundo natural. ¡ Aunque la rutina no te deje disfrutar de un toque verde en tu vida porque no tienes tiempo, porque no se te dan bien o simplemente no quieres mantener tu espacio verde; No te preocupes, Botánica Textil ha nacido para ayudarte a disfrutar sin preocupaciones de un toque verde en tu día a día y para siempre!
www.botanicatextil.com/

LUCA HUGO BRUCCULERI
Luca Hugo Brucculeri se define a sí mismo como un Diseñador Efímero. Su forma de crear está caracterizada por un lenguaje poético, irónico y fresco capaz de generar fuertes emociones. Sus proyectos investigan “fenómenos efímeros” como los agentes atmosféricos, las leyes y los descubrimientos del universo, los procesos de la naturaleza, de los alimentos y de la sociedad, así́ como los elementos que generan emociones en las personas. Candidato en el 2015 al premio “Compasso dʼOro”, el reconocimiento mundial más antiguo y con mayor autoridad en el diseño. Ha colaborado con diferentes marcas de lujo como: Hermes, North Sails, Calvin Klein entre otras.
www.lucabrucculeri.com

JORDI CANUDAS
Jordi Canudas fundó su estudio el año 2007 en Londres junto al colectivo “OKAY STUDIO” después de graduarse con un Master en Design Products en el Royal College of Art. En su estudio desarrolla proyectos en el campo del diseño de producto, diseño de interiores o la dirección de arte además de la edición de algunos de sus propios diseños. Paralelamente realiza workshops i ponencias a nivel internacional además de formar parte del equipo docente de la Escuela Superior de Disseny Elisava en Barcelona y la Bath Spa University del Reino Unido. Su método de trabajo parte desde una base conceptual que a través de la materialización y la experimentación dirige el desarrollo proyecto. Trabaja recurrentemente con proyectos relacionados con la luz, dejando entrever un interés en el potencial expresivo de esta. Actualmente está interesado en como las nuevas tecnologías ponen en duda las estructuras existentes así como los métodos de creación, producción y de distribución de estas. Sus piezas han sido expuestas internacionalmente y forman parte de importantes colecciones como Die Neue Sammlung en Munich o el MoMA en Nueva York.
http://jordicanudas.com/

CARLA CASCALES ALIMBAU
Carla Cascales Alimbau (1989) artista nacida en Barcelona, su trabajo se fundamenta en llegar a la esencia de las formas y materiales, desnudando así cada pieza de todo ornamento, trabaja únicamente con materiales naturales como piedra, madera, metales, cristal y tejidos orgánicos. Cree en la belleza de la autenticidad y en resaltar las irregularidades e imperfecciones como rasgos únicos.
http://carlacascales.com/

IRENE CASES
Irene Cases nació en Barcelona (1989), formó sus estudios en diseño gráfico e ilustración en la Escuela de Arte y Superior de Diseño Llotja, en 2016 se graduó en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Barcelona donde se especializó en el campo de la escultura. Cada creación es una pieza única, mezcla material industrial como el aluminio con diferentes tipos de textiles, el aspecto táctil es un valor de la obra. Aporta una visión orgánica de las formas y el pensamiento desde una perspectiva personal, y hace una reflexión sobre el cuerpo como un campo en construcción, la identidad, el otro, lo interno, lo externo, lo duro y lo blando.
https://www.instagram.com/irene.c.maker/

MIGUEL GINER GUTIÉRREZ
Nacido en Alfafar (Valencia) en el año 1993 donde vivó hasta los 19 años, Miguel Giner Gutiérrez el 2012 fue a vivir a Barcelona y empezó Ingeniería industrial en la UPC (Universidad Politécnica de Cataluña), en el 2013 decidió cambiar de carrera para dedicarse a la Ingeniería del Diseño Industrial y Desarrollo de Productos en la UPC. En el año 2016 viajó a Chile para hacer estudios de movilidad internacional durante 6 meses en la Facultad de Arte, Arquitectura y Diseño de la Universidad Diego Portales donde empezó a desarrollar el proyecto Molde Polimorfo, proyecto influenciado durante su viaje por la Patagonia. En el año 2018 acabó sus estudios universitarios con matrícula de honor en la presentación del Molde Polimorfo y la vajilla Petra como proyecto final de carrera. En febrero de 2019 gana el primer premio de la Rado Starprize Spain de la Madrid Design Festival para jóvenes diseñadores recién graduados. Actualmente continúa desarrollando proyectos, entre otros, para la México Design Week (3-13 oct 2019), restaurantes y tiendas.
https://www.instagram.com/ginergutierrez/

ROMINA GRIS
Vive y trabaja en Barcelona. Empezó su carrera en el mundo de la cerámica en 2012. Anteriormente estudió Bellas Artes y Diseño de Interiores, y ha trabajado como interiorista en Londres (Benoy y RPA architects) y Barcelona (Mango). Romina Gris también es diseñadora de interiores y trabaja realizando diseños para varios proyectos tales como restaurantes, viviendas, oficinas. En sus proyectos es esencial la relación de estilos entre la cerámica y el interior. Su último proyecto está compuesto por unos jarrones a gran escala realizados en gres e inspirados en edificios posmodernos como la obra de Michael Graves o Aldo Rossi. También está trabajando en la internacionalización de su obra. En Enero de 2019 participó en la feria Maison & Objet con su propio stand y tuvo la oportunidad de mostrar sus nuevos jarrones en el ICFF de Nueva York, en el stand del ICEX.
https://rominagris.com/

MASSIMILIANO MORO
Massimiliano Moro (1986) vive y trabaja entre Lugano (Suiza) y Barcelona (España). En su práctica artística busca la creación de nuevos equilibrios entre luz y arquitectura atravesando las prácticas del diseño y la escultura. Su metodología interdisciplinar da como resultado intervenciones que modifican la percepción del espacio. Desde 2015, trabaja de manera independiente llevando a cabo exposiciones en toda Europa (Palermo, Milano, Roma, Lugano, Banska Stiavnica…) y sus obras forman parte de diversas colecciones privadas. En 2017 fue elegido “Emergent light designer of the year” por el premio LIT Award.
http://massimilianomoro.com/

CRISTINA NOGUER GUARDIOLA
Cristina Noguer (Girona 1982) es diseñadora experimental, ha estudiado en la Politécnica de Girona y en Parsons de Nueva York. Ha vivido y trabajado en Chile, India y Estado Unidos. Su trabajo se basa en la investigación del material como base simbólica y física del resultado del diseño. Entiende el diseño como engranaje socio-cultural, y explora sus implicaciones a través del material. En los últimos años ha adquirido un gran interés por el inmaterial, luz y olor, y lo estudia como base fundamental del bienestar.
www.cristinanoguer.com/

PICHIGLAS, Alfonso de la Fuente
Alfonso de la Fuente vive y trabaja en Barcelona desde 1977. Es diseñador industrial, de interiores y empresario. En 2001 crea su propia marca de complementos basados en el plástico y el reciclaje, creando lámparas low cost con el nombre Pichiglas. En 2008 funda la marca de zapatos Maians que tiene una tienda en Barcelona. Trabaja a nivel nacional e internacional como diseñador de interiores: locales, restaurantes, discotecas, bares… Destacan sus proyectos de restaurantes en China (Beijing y Shanghai), Bangkok y Camboia. Los últimos viajes a Asia le han influido a la hora de marcar el contraste de materiales, los trenzados en mimbre o el plástico reciclado. Tras las lámparas low cost en las que el cristal o las botellas de plástico eran los protagonistas, se decanta en sus últimos trabajos por materiales mas nobles: cerámica, cristal, metal, PVC pero también reciclando moldes o reutilizando mimbre y cordones de zapato.
www.pichiglas.com

MARIA PRATTS
“Trabajadora de la ULTRAmultidisciplina con amor y pasión en Barcelona. Su obra habla del Mundo en Descomposición”. La artista evidencia hábitos y estereotipos mediante una visión crítica de la realidad. Un discurso fuerte, estrepitoso e irónico que toma como principal escenario la calle. Su obra indaga en lo más incómodo y corrompido de la sociedad actual, sin embargo, la obra mantiene un halo esperanzador y optimista mediante la espontaneidad de sus temáticas, los dibujos o el uso de colores vivos. Se trata de un trabajo fresco y lúcido inspirado en el entorno puntual de la artista. Entre sus exposiciones individuales se encuentran Sade Gallery, Los Ángeles (2018); “Waassap magik“, Galería O, Madrid (2018); “Sad City”, L&B Gallery, Barcelona (2016)… Su obra se ha presentado en las exposiciones colectivas “Punk. Sus rastros en el arte contemporáneo” (MACBA, Barcelona; CA2M, Madrid y Artium Museum, Vitoria); “Got It For Cheap” (David Risley Gallery, Copenhague; Steinsland Berliner Gallery, Estocolmo y Agnes B, París); “Seriot”, Andén, Barcelona; “A Tutiplén”, Watdafac, Madrid; “La Balada de Wendy Entre d’Autres”, ADN Gallery, Barcelona; y “Jornadas en el Sótano”, Roser 99, Barcelona.
https://www.instagram.com/marriapratts/

RAQUEL QUEVEDO
Artista multidisciplinar con sede en Barcelona Raquel Quevedo combina diseño gráfico, dirección de arte, instalación, fotografía y escultura. Su trabajo mezcla un imaginario propio y la práctica experimental. A menudo lleva al límite la naturaleza y la definición de su práctica, convirtiendo las formas 2D en esculturas, las estructuras 3D en superficies planas y los elementos gráficos en piezas de performance. Define su trabajo bajo el lema “Money makes me ugly. Mickey makes me happy. El dinero es la industria, las doctrinas, la programación y las imposiciones de un briefing; Mickey es la fantasía, la libertad expresiva, la importancia del concepto en el diseño, la experimentación y la búsqueda de la felicidad en la expresión personal”. Recientemente ha expuesto en Matadero durante Madrid Design Festival 2019, Axel Arigato Gallery (Londres y Gotemburgo, 2018-2019), un solo show en la galería Etage Projects de Copenhague (2018) y ha trabajado gráficamente para el CCCB, Theatre Royal Stratford Est (Londres), Adi-Fad, Demo Design Festival, Side Gallery entre otros clientes.
http://raquelquevedo.com/

SEÑORITA LYLO
Señorita Lylo (Loly Ghirardi) es artista bordadora y diseñadora gráfica. Nació en Buenos Aires y reside hace 17 años en la ciudad de Barcelona. Licenciada en Diseño gráfico en la universidad de Buenos Aires, ha co-fundado un estudio especializado en gráfica museográfica y hace 10 años, para alejarse del ordenador, se ha acercado al bordado, que hoy en día es la parte más importante de su día y su trabajo.
Detrás de sus proyectos siempre hay una búsqueda conceptual, analizando, interpretando historias, lugares, bordando con pasión y acompañando cada puntada con anécdotas y creatividad.
Lo que le apasiona del bordado es poder llevar esta labor milenaria a contextos actuales, y que el bordado se resignifique en distintos escenarios y aplicaciones.
www.srtalylo.com

JULEN USSIA GUILLÉN
Su interés por la creación, los materiales y el objeto llevaron Julen Ussia Guillén (Amurrio, Alava, 1993) a Barcelona en 2011 para formarse en un Grado en Artes y Diseño en Escola Massana, Centro municipal de Artes y Diseño de Barcelona. Durante los siguientes años amplió sus intereses y profundizó en la experimentación material, así como en los procesos de trabajo manuales, sintiéndose afín a los oficios y a los modos de hacer y pensar propios de la tradición con una voluntad por generar nuevos lenguajes contemporáneos. Durante los dos últimos años cursó la mención en Artes Aplicadas y encontró en la cerámica un intenso ámbito de trabajo en el cual sigue inmerso. Realizó piezas para diversas exposiciones como el DEMO Design Festival, Lovisual17, Madrid Design Week y Barcelona Design Week o el Bizkaia Aretoa. Con el final del Máster en Cerámica: Arte y Función en la Universidad del País Vasco amplió su línea de trabajo personal colaborando con artistas y diseñadores como Koos Breen (NL), Max Enrich, Jorge Penades o CuratedBy. Vive en Barcelona, desde donde recientemente ha tomado parte en Errata en Mast Books, exposición actual en New York Design Week. Colabora actualmente como docente en Escola Massana y ElTorn Barcelona, International Hub of Ceramics.
https://www.instagram.com/julenussia/?hl=it

VALERIA VASI
La búsqueda personal de Valeria Vasilieva, se centra en combinar arte, diseño y funcionalidad. Por eso ahora ha creado este proyecto nacido en Barcelona y dedicado al diseño y a la fabricación de series reducidas de piezas en diferentes materiales, en las que la geometría y la simplicidad son protagonistas. En sus piezas confluyen la forma y el volumen para crear unas pequeñas esculturas de líneas definidas en las que el vacío de la materia adquiere tanta importancia como su presencia. La geometría interior del objeto juega y se confunde con el espacio exterior creando visiones inesperadas que fluyen, cambian y se ordenan al contacto con la luz. Luces y sombras, color y no color se conjugan con la materia y el vacío para crear cambiantes geometrías espaciales. En estas piezas se puede hallar una búsqueda en la expresión del vacío. Ha expuesto en el pabellón Mies Van der Rohe de Barcelona, en Espace Commines de Paris, en Casabanchel y en Matadero de Madrid.
https://www.valeriavasi.com/

JOSEP VILA I CAPDEVILA
Josep Vila i Capdevila (Terrassa,1976) es diseñador y fotógrafo. Sus intereses variados lo relacionan con el diseño, la publicidad, la moda, el fotoperiodismo e incluso la música… Su trabajo como diseñador se desarrolla principalmente con materiales naturales como el mármol, el metal y la madera. En 1999 funda el estudio de diseño Aparentment, del cual es su diseñador principal. Aparentment es un espacio para la creación, la innovación y la experimentación con los materiales, con la intención de desarrollar diseños robustos, duraderos y clásicos, con colecciones que ofrecen una sofisticación contemporánea y casual.
http://www.aparentment.com/

SANNA VÖLKER
Sanna Völker es una diseñadora sueca de mobiliario y objetos afincada en Barcelona. Sus diseños han sido expuestos en Milán, París, Barcelona, Bruselas y Colonia. Su trabajo puede ser descrito como una búsqueda de equilibrio entre la crudeza y el refinamiento, la armonía y la intriga. A menudo haciendo referencia a la arquitectura y al brutalismo. La intervención humana en la naturaleza y el comportamiento humano en la sociedad es un tema que explora con frecuencia. Sus ideas se manifiestan en piezas de formas puras con una expresión atemporal.
https://www.sannavolker.com/

YOMUTO
YOMUTO es un tándem creativo que reside en Barcelona. Está formado por el artista Xavi Muñoz (Barcelona 1975) y el diseñador industrial Federico Tosco (Torino 1983). utiliza el reciclaje artístico y la reutilización de la memoria, creando una visión iconográfica de la vida doméstica. Aunque sus materiales se reciclan simultáneamente, siguen respetando el pasado de cada objeto, transmitiendo recuerdos y valores emocionales en la forma en que los restauran, componiendo lo que llaman «estructuras mágicas conectadas por inspiración». Utilizan materiales de mercados, tiendas de segunda mano y objetos de final de temporada, principalmente en vidrio, pero también restos de diferentes objetos artesanales e industriales, colaborando con marcas famosas del mundo del diseño. Crean un lenguaje sofisticado que expresa los conflictos y la diversidad que emanan del mundo multicultural actual.
https://www.yomuto.com/

 

VOLVER A EXPOSICIONES